一首练习曲或乐曲学好的标准是什么？

学好一首作品的标准，至少有：

1：音符要正确

2：节奏要正确

3：乐句划分要正确

4：重要的力度对比与变化要正确

5：指法要正确

6：作品的基本性质，性格要完整

7：要达到总体上的完整

在掌握上述标准时，也要考虑道以下几点，

1 假如教师认为某些方面的问题是学生在那个阶段要解决的主要问题，那么，当主要问题解决了，也可视为达到了标准。

2 学生应当在回课时，一遍或第二遍，最多的3遍，就能够做到上面说的7条，才算合格。要是第遍还是做不到，而是在课堂上重复了很多遍才做到一次，就不能认为已经达到了标准，学生还必须回去巩固，小提琴的技术技巧，就是在不断的重复正确的东西中提高的

3 还有就是，正确只是相对的，学好一部作品有最低标准，却没有唯一的最高标准，真正的完美事没有止境的，永远都有提高的余地。

极对

没有学好与不好之分,用感情诠释乐曲才是最可贵的.

学琴的标准是随着学习的程度和年龄变化的，这其实具体说来是很繁琐很细致的，比如，从4岁学，有一套随他成长的标准伴随着，8岁学，又有一套不太一样的标准了，直到成人，这个标准又在细微的变化。

也就是说，同样学了2年，4岁开始学和成人开始学，标准也是不一样的。

具体的把握只有看老师的因材施教，在这样的论坛上我只能凭自己观点说说一些“自古不变”的，貌似“真理”的共通标准了。

标准是分等级的，也就是重要程度，这个等级制度一定要深深课刻在人的脑袋里，任何时候都可以拿出来作为评论，鉴赏的尺子。

要问我规格是什么，我实在想大吼一声的东西就是：节奏！！！！！！！

这个东西没有任何讨论的余地和妥协，必须是最重要最起码的，就象一个汽车最起码的是不能爆炸，一个楼房最起码不能垮掉一样，无可争议的重要！最起码的节奏要求，也就是忠实乐谱，绝对准确，不要说风格不要说感情，首先先做到能打节拍器的准确，才能说其他的，在说远点，节奏就是一个人的教养，修养和品位，我在让小孩视谱的时候，就仔细观察他对节奏的敏感，几乎可以判断他的家长教育水平。

然后第二个几乎同样无可争议的标准自然是音准，这个问题是伴随一生的，即使是大师在拥有了极高修养的时候，音准也是他必须攻破的课题，音准的练习很痛苦，必须机械化地重复，重复，重复，一点捷径也没有，而且在按音的时候千万不能滑准，千万不能“改正”这是我见人就说的事情，“改正音准”这个动作不知害苦了多少人。

音，必须是一按就准，没按准没关系，抬起来，再按，再按，直到一按就准的动作重复无数遍，这是解决音准的唯一可以算“捷径”的东西了。

音准的观念就是：在曲子里音拉不准就是道德问题，音拉错等于犯法。听众可以是顾客，汽车不能让人受伤，这是最起码的做产品的良心问题。

一个学琴的人，有了节奏修养，有了音准观念，这个人无论走到哪，都可以自豪的宣称：我是学过音乐的人 ！！！

可能他的音色不好听，可能他拉的东西很简单，但他的东西是有规格的，这就值得自豪。

在这些之后，什么都好说了，我自己的看法是：拉琴，演奏，必须要“好听”！！这个好听的含义很多，建立在节奏音准只上最主要的就是：音色，这个问题在现在的普遍观点看来是个比较高层的问题，甚至只有专业学生才会刻意去追求，

其实对音色的无所谓，让业余小提琴者们里小提琴，离音乐，越来越远了。好听，这是个多么朴实的要求啊，

音色在小提琴上具体表现就是发音，其实也就是对发音的要求问题。发音问题应该在最初学就深深地扎根在每一天的练习中，首先，不能有噪音，这个非常简单的道理，简直是“无理的要求”，有杂音就是一个产品的质量有问题，有硬伤。然后是饱满，自然，音色就是一个人的脸色，不能太红，更不能发黄，是一种健康的声音，这种声音在初学是很难找到的，因为这是力度均匀，刚好到火候才出来的声音，但这个就是拉琴人时刻不能忘记的追求，追求一个曲子从头到尾都有健康的声音，就是对听众最好的报答。

在练习发音的时候，我给学生的要求是：尽量，尽量地用全弓，好的声音其实也是建立在好的机能上的，必须通过练长弓然右手觉得这个运弓直线是天底下最自然的东西，让右手觉得这根木头其实很轻很轻，

比如一个抒情乐曲，开始肯定要慢练，但在慢练的时候最容易忽略的就是弓长，用尽量用全弓这个原则，就会发现这个抒情乐曲其实可以几乎每弓都拉满，但声音很大，很不抒情~这其实就对了！练习，和演出是两个不同的概念，台下和台上的效果是完全不同的，台下应该是夸张，甚至是极限（指音量），这样一种夸张的发音练熟后，再加到原速，稍一收敛，声音就很容易洪亮健康了。

上面的三条标准可以是说自认为是“真理”的东西，这也是我在欣赏别人演奏时的一个最基本的尺度，其实这也是演奏者对观众是否尊重的一个基本尺度。

即使是没有专业打算的提琴爱好者，着三个标准也是应该绝对时时提醒自己的，因为，会不会拉提琴，其实一点都不重要，会不会拉那两个炫的曲子其实一点都不代表什么，最珍贵最重要的就是这个音乐修养和音乐道德，如果通过学习小提琴而让自己有了严格的节奏感音准感和美感的话，我想真是不枉在艺术的世界里走一走了。学小提琴，大提琴，钢琴，还是其他什么乐器，只要能学到这个东西，就是“值得了”。

楼上的这位老师讲得非常好，我极力赞同，请问，您是在哪个城市，真想跟您学习，

4楼这位zhsovi 老师说得太对了！向您致敬！！

学习了！请您多来指教 我们琴童的父母们！！

zhsovi，你的东西真的很经典

以下是引用zhsovi在2007-2-1 0:02:00的发言：

学琴的标准是随着学习的程度和年龄变化的，这其实具体说来是很繁琐很细致的，比如，从4岁学，有一套随他成长的标准伴随着，8岁学，又有一套不太一样的标准了，直到成人，这个标准又在细微的变化。

也就是说，同样学了2年，4岁开始学和成人开始学，标准也是不一样的。

具体的把握只有看老师的因材施教，在这样的论坛上我只能凭自己观点说说一些“自古不变”的，貌似“真理”的共通标准了。

标准是分等级的，也就是重要程度，这个等级制度一定要深深课刻在人的脑袋里，任何时候都可以拿出来作为评论，鉴赏的尺子。

要问我规格是什么，我实在想大吼一声的东西就是：节奏！！！！！！！

这个东西没有任何讨论的余地和妥协，必须是最重要最起码的，就象一个汽车最起码的是不能爆炸，一个楼房最起码不能垮掉一样，无可争议的重要！最起码的节奏要求，也就是忠实乐谱，绝对准确，不要说风格不要说感情，首先先做到能打节拍器的准确，才能说其他的，在说远点，节奏就是一个人的教养，修养和品位，我在让小孩视谱的时候，就仔细观察他对节奏的敏感，几乎可以判断他的家长教育水平。

然后第二个几乎同样无可争议的标准自然是音准，这个问题是伴随一生的，即使是大师在拥有了极高修养的时候，音准也是他必须攻破的课题，音准的练习很痛苦，必须机械化地重复，重复，重复，一点捷径也没有，而且在按音的时候千万不能滑准，千万不能“改正”这是我见人就说的事情，“改正音准”这个动作不知害苦了多少人。

音，必须是一按就准，没按准没关系，抬起来，再按，再按，直到一按就准的动作重复无数遍，这是解决音准的唯一可以算“捷径”的东西了。

音准的观念就是：在曲子里音拉不准就是道德问题，音拉错等于犯法。听众可以是顾客，汽车不能让人受伤，这是最起码的做产品的良心问题。

一个学琴的人，有了节奏修养，有了音准观念，这个人无论走到哪，都可以自豪的宣称：我是学过音乐的人 ！！！

可能他的音色不好听，可能他拉的东西很简单，但他的东西是有规格的，这就值得自豪。

在这些之后，什么都好说了，我自己的看法是：拉琴，演奏，必须要“好听”！！这个好听的含义很多，建立在节奏音准只上最主要的就是：音色，这个问题在现在的普遍观点看来是个比较高层的问题，甚至只有专业学生才会刻意去追求，

其实对音色的无所谓，让业余小提琴者们里小提琴，离音乐，越来越远了。好听，这是个多么朴实的要求啊，

音色在小提琴上具体表现就是发音，其实也就是对发音的要求问题。发音问题应该在最初学就深深地扎根在每一天的练习中，首先，不能有噪音，这个非常简单的道理，简直是“无理的要求”，有杂音就是一个产品的质量有问题，有硬伤。然后是饱满，自然，音色就是一个人的脸色，不能太红，更不能发黄，是一种健康的声音，这种声音在初学是很难找到的，因为这是力度均匀，刚好到火候才出来的声音，但这个就是拉琴人时刻不能忘记的追求，追求一个曲子从头到尾都有健康的声音，就是对听众最好的报答。

在练习发音的时候，我给学生的要求是：尽量，尽量地用全弓，好的声音其实也是建立在好的机能上的，必须通过练长弓然右手觉得这个运弓直线是天底下最自然的东西，让右手觉得这根木头其实很轻很轻，

比如一个抒情乐曲，开始肯定要慢练，但在慢练的时候最容易忽略的就是弓长，用尽量用全弓这个原则，就会发现这个抒情乐曲其实可以几乎每弓都拉满，但声音很大，很不抒情~这其实就对了！练习，和演出是两个不同的概念，台下和台上的效果是完全不同的，台下应该是夸张，甚至是极限（指音量），这样一种夸张的发音练熟后，再加到原速，稍一收敛，声音就很容易洪亮健康了。

上面的三条标准可以是说自认为是“真理”的东西，这也是我在欣赏别人演奏时的一个最基本的尺度，其实这也是演奏者对观众是否尊重的一个基本尺度。

即使是没有专业打算的提琴爱好者，着三个标准也是应该绝对时时提醒自己的，因为，会不会拉提琴，其实一点都不重要，会不会拉那两个炫的曲子其实一点都不代表什么，最珍贵最重要的就是这个音乐修养和音乐道德，如果通过学习小提琴而让自己有了严格的节奏感音准感和美感的话，我想真是不枉在艺术的世界里走一走了。学小提琴，大提琴，钢琴，还是其他什么乐器，只要能学到这个东西，就是“值得了”。

就是六个字：音准、节奏、准确。

把莫扎特拉的象巴赫就是不准确吧？

谢谢zhsovi老师了。虽然是成年初学，但觉得很有帮助，以后要在每一次的练习中注意。希望自己能拉出有音乐感觉的东西来。

zhsovi先生所言极是，跟帖比主贴写的更到位

小女子感谢zhsovi兄弟的光临，谢谢你提出的更加全面的看法，希望你在空余之时可以多多关照我的论点，谢谢

以下是引用zhsovi在2007-2-1 0:02:00的发言：

学琴的标准是随着学习的程度和年龄变化的，这其实具体说来是很繁琐很细致的，比如，从4岁学，有一套随他成长的标准伴随着，8岁学，又有一套不太一样的标准了，直到成人，这个标准又在细微的变化。

也就是说，同样学了2年，4岁开始学和成人开始学，标准也是不一样的。

具体的把握只有看老师的因材施教，在这样的论坛上我只能凭自己观点说说一些“自古不变”的，貌似“真理”的共通标准了。

标准是分等级的，也就是重要程度，这个等级制度一定要深深课刻在人的脑袋里，任何时候都可以拿出来作为评论，鉴赏的尺子。

要问我规格是什么，我实在想大吼一声的东西就是：节奏！！！！！！！

这个东西没有任何讨论的余地和妥协，必须是最重要最起码的，就象一个汽车最起码的是不能爆炸，一个楼房最起码不能垮掉一样，无可争议的重要！最起码的节奏要求，也就是忠实乐谱，绝对准确，不要说风格不要说感情，首先先做到能打节拍器的准确，才能说其他的，在说远点，节奏就是一个人的教养，修养和品位，我在让小孩视谱的时候，就仔细观察他对节奏的敏感，几乎可以判断他的家长教育水平。

然后第二个几乎同样无可争议的标准自然是音准，这个问题是伴随一生的，即使是大师在拥有了极高修养的时候，音准也是他必须攻破的课题，音准的练习很痛苦，必须机械化地重复，重复，重复，一点捷径也没有，而且在按音的时候千万不能滑准，千万不能“改正”这是我见人就说的事情，“改正音准”这个动作不知害苦了多少人。

音，必须是一按就准，没按准没关系，抬起来，再按，再按，直到一按就准的动作重复无数遍，这是解决音准的唯一可以算“捷径”的东西了。

音准的观念就是：在曲子里音拉不准就是道德问题，音拉错等于犯法。听众可以是顾客，汽车不能让人受伤，这是最起码的做产品的良心问题。

一个学琴的人，有了节奏修养，有了音准观念，这个人无论走到哪，都可以自豪的宣称：我是学过音乐的人 ！！！

可能他的音色不好听，可能他拉的东西很简单，但他的东西是有规格的，这就值得自豪。

在这些之后，什么都好说了，我自己的看法是：拉琴，演奏，必须要“好听”！！这个好听的含义很多，建立在节奏音准只上最主要的就是：音色，这个问题在现在的普遍观点看来是个比较高层的问题，甚至只有专业学生才会刻意去追求，

其实对音色的无所谓，让业余小提琴者们里小提琴，离音乐，越来越远了。好听，这是个多么朴实的要求啊，

音色在小提琴上具体表现就是发音，其实也就是对发音的要求问题。发音问题应该在最初学就深深地扎根在每一天的练习中，首先，不能有噪音，这个非常简单的道理，简直是“无理的要求”，有杂音就是一个产品的质量有问题，有硬伤。然后是饱满，自然，音色就是一个人的脸色，不能太红，更不能发黄，是一种健康的声音，这种声音在初学是很难找到的，因为这是力度均匀，刚好到火候才出来的声音，但这个就是拉琴人时刻不能忘记的追求，追求一个曲子从头到尾都有健康的声音，就是对听众最好的报答。

在练习发音的时候，我给学生的要求是：尽量，尽量地用全弓，好的声音其实也是建立在好的机能上的，必须通过练长弓然右手觉得这个运弓直线是天底下最自然的东西，让右手觉得这根木头其实很轻很轻，

比如一个抒情乐曲，开始肯定要慢练，但在慢练的时候最容易忽略的就是弓长，用尽量用全弓这个原则，就会发现这个抒情乐曲其实可以几乎每弓都拉满，但声音很大，很不抒情~这其实就对了！练习，和演出是两个不同的概念，台下和台上的效果是完全不同的，台下应该是夸张，甚至是极限（指音量），这样一种夸张的发音练熟后，再加到原速，稍一收敛，声音就很容易洪亮健康了。

上面的三条标准可以是说自认为是“真理”的东西，这也是我在欣赏别人演奏时的一个最基本的尺度，其实这也是演奏者对观众是否尊重的一个基本尺度。

即使是没有专业打算的提琴爱好者，着三个标准也是应该绝对时时提醒自己的，因为，会不会拉提琴，其实一点都不重要，会不会拉那两个炫的曲子其实一点都不代表什么，最珍贵最重要的就是这个音乐修养和音乐道德，如果通过学习小提琴而让自己有了严格的节奏感音准感和美感的话，我想真是不枉在艺术的世界里走一走了。学小提琴，大提琴，钢琴，还是其他什么乐器，只要能学到这个东西，就是“值得了”。

呵呵~很高兴能与zhsovi老弟再次一起讨论音乐。

有感于楼主对音乐的赤诚之心，在下也发表一点关于对主题的论点。

练习曲一般会被人理解为枯燥与乏味的代言词。可对于一首有价值的练习曲，作为练习者来说

不可等闲视之。例如 RODE ，JACOB DONT 等名家所写的练习曲，之所以能流传百世，是因为

其价值使然，其更具备作为一首音乐会独奏曲的潜质。演奏者如能熟练的掌握这些练习，可拥有

征服帕格尼尼高难技巧的资本。这是其价值观。

而对于通常所谓的乐曲，大家会联想其音乐性与趣味性（也许少数人会和敝人有同感）。至于

怎样才能掌握一首练习曲或者乐曲，论外观手段，不外乎音准，节奏，音乐表现，说白了，一切

要以技术作为其辅助表达工具。自古乐者即有技为乐用之说。这些都是最最基本的要求。

伟大的大提琴宗师卡萨尔斯曾经对学生告诫：拉错了音就等于做错了事，而阿图尔。鲁宾斯坦更

坦言愿用十年寿命换取一个错音，这是对音乐何等的负责！我认为只有具备了这种精神，才有资

格屹立在神圣的舞台上，向世人展示自己横溢的才华与超然的音乐。

对于节奏，更高层次的概括，应该是心灵的节拍器。。误差虽然存在于任何空间，但我们还是要

求节奏能最大程度的得到完善，就象时钟的秒表那样，兢兢业业的为时光负责正如我们为音乐尽

忠。很多学生喜欢用脚打拍子，本人不是很赞成这种做法。大家可以想象一下，我们若能用心

跳来控制节奏，假设我们站在舞台上，面对茫茫“听”海，我们以稳定的情绪，冷静的控制住心

跳，那节奏的效果会怎样？大家一试便知。当然，实战还是要在平时的训练中奠基。

回到正题，再让我们考虑一下怎样才算是真正的处理好一首乐曲。在这个辨证的世界上，没有

绝对的完美，可为什么仍有那么多的音乐大师们的演奏，能如此的打动我们？我们可以质疑：难

道仅仅是做到了音准，节奏，音乐表现的三位一体吗？ 答案是不！ 不是完全是。

我不由的回想起18岁那年，偶然间听了一张LP，是海菲茨演奏的《门德尔松小提琴协奏曲》

年少轻狂，很少被事物打动我，在听到这位大师演奏至尾声时哭了。我告诉自己，这才是真正

的音乐，拉琴，要象他这么拉！从那时起，不满足做一个老师眼里的乖学生，沉醉于每次回课老

师那“鼓励式”表扬。我要向大师致敬，向大师学习，不止学习他的音乐，最重要的是他的精

神。这种

精神一直鼓励了我很多很多年。这些年每当回想起来，都能被他演奏尾声时的那种勇往直前

的气魄所激荡的热血沸腾！在这一刹那，我忘记了音准，节奏，我告诉自己，这是最基本的，既

然选择了小提琴作为我的职业，我本应把音准节奏搞好，这是我的本分，我更应该培养自己的气

质，走自己适合的路。只有对自己的要求更深一层，才能真正的把误差减少到最小，这时，可以

对乐曲负责任的说一声：我已经尽自己最大的努力，拉好了这部作品！这是以自己为参照物，最

大程度的为音乐负责。

伟大的海菲茨曾经说过，一个人如果要花很大的力气才能把一个曲子拉成形，这就

说明他正在把这首乐曲判处死刑。 　为了能正确地表现音乐，当然要克服技术上的困难；不能

使听众感到演奏者正在那些困难的乐句中作挣扎。必须对那些困难的乐句进行更加深入的练习，

以便使你能不感到困难地在公众面前演奏。

具体来说，这涉及到关于日常练琴之说。正如zhsovi所说，每个人 ，在不同的年龄段，都会为

自己设立了一个目标。在这里，我无庸赘述。关于练琴时间，我想再次借用海菲茨的一段练琴笔

记做为我发言的句号，仅供大家参考：

“对我来讲练习是把两件事情结合在一起的过程。首先，我研究这首乐曲，我把这叫做脑力劳

动。然后我练习它，我把这叫做体力劳动。我在达到目的地之前把这两者结合起来。请不要忘

记，当你花了一定的精力练琴以后，就要休息一下。正如我们做别的事情之后不也要休息一下

吗？所以即使我每天练习三个小时，也不是连续练的，而是在三个小时中间有几次休息。我每天

的练习很少超过三小时，而且星期天通常总是放假的，有时一周中还要多加一天假

日。有人说我每天练习六个小时，甚至是七，八个小时，这简直是荒唐，这样练琴我还能活吗！

当然，我说我每天练习三个小时……或是说我没有每天练习七、八小时，你也不能太刻板地去

理解。有时当你拿到一首新的乐曲，而这首曲子又非常有趣的话，你就会想多练了，因此，请你

不要认为由于我不主张过度的练习，而认定我从来没有多练过。有时琴练得很多，只是由于你想

练这么多，而不是不得不练这么多。”

感谢zhsovi和傲雪的光临，谢谢你们的鼎力相助。呵呵

[此贴子已经被作者于2007-2-1 22:22:03编辑过]

学到不少东西啊~~

zhsovi先生所言极是，跟帖比主贴写的更到位 ，佩服也。

把琴抬高。

高 !高!实在是高!高手云集!向各位致敬!有点百家争鸣的意思了!

八楼的朋友说“把莫扎特拉的象巴赫就是不准确吧？”

这话是绝对正确的，其实这个问题不矛盾，音乐是人写的，是写给人听的，人是有灵性的，仍何事情不可能类似机器，是活的，所以其实所有的音乐作品到成为“作品”的时候都不可能是格式化，公式化的。

但这些都是另一个层面的事，可以叫做另一个高度的追求。

可怕的是，我们这样活生生的人，却要面对这些由物理原理产生声音的乐器，这些冷冷的，只讲科学道理的东西，没有办法，我们只有通过类似机器的训练，扎实的，讲科学将方法的训练，来操作这个乐器，最后驾驭它，等那个时候，属于我们人类特有的精神层面的东西，才可以自然流露，自然表现。

就节奏而言，有一个近乎节拍器式准确的节奏感，这是学音乐，做音乐的一个很基本的素养，有了这个素质，再处理音乐，再来表现，就有了根，给人的感觉才能自然，这个大多只有听众能察觉，因为听众的心跳速度永远比演奏者快“小朋友除外”，演奏者的稍微节奏不稳，都会很夸张地传到听众的耳朵里，而造成“不太对头”的感觉。

特别是莫扎特，巴赫，要是节奏极其准确，听众听起来是比较舒服的，要是在经过大师那样的细微变化，听众说不定可以流泪，但是，如果在最初练习是没有了那个根，随心变化，那后果是惨不忍睹的，也就是大家经常说“这人拉巴赫味道不对”

为什么说室内乐考验人的修养？室内乐考验人，第一就是考验的节奏准确，这个更是没有半点宽容，如果有一个人节奏不准，他们就有的好受了，只有几个人全部精确地练熟后，几个人产生了对曲子的共通感觉，由首席一带领，这个节奏的走展就出来了，有意思的，值得欣赏的东西，也就诞生了。

在欣赏大师的演奏，甚至一些爵士大师的演奏时，如果细心品味他们的节奏走展和修养，将回发现音乐世界的另一扇奇特的门，这种看似随意，却又是修养堆积的东西，值得每一个人去品位味。

在初学乐器的阶段，其实根本不要管这些东西的，作曲家的风格，时代背景只要要作为常识学习，就象叫小孩子背诗一样，都是为了以后的理解，过早地模仿唱片，莫逆现场，只会让人越来越对基础没有兴趣，越来越浮躁，最后出来的效果就什么都不象了，在这个方面走弯路的学生太多，模仿大师，创造自我的人太多，其实都是白费劲的，只有技术上没有障碍，心理上宁静平和，才能创造好的音乐，即使只能演奏一两个简单的小曲，但有基本的音乐素养，好听，动听，就是一种成就！

呵呵，我发现拉 莫扎特腿弯曲着比较好拉，有弹性

顶起~~~~~~~

说得好

非常欣赏zhsovi和孤风傲雪两位老师的见解。